Lisboa 1939-1945 - Guerra nas Sombras - Neill Lochery

A Segunda Guerra Mundial é provavelmente o tema mais abordado pela história, e consequentemente há uma imensa disponibilidade de títulos sobre seus episódios e personagens nas livrarias. É compreensível: foi travada diretamente pelas principais potências do mundo, praticamente todos os países tiveram uma participação mais intensa do que na Primeira Guerra Mundial (inclusive o Brasil) e determinou os rumos do que se seguiu nas décadas seguintes. Soma-se a isso o fascínio exercido pelas personalidades envolvidas e o inevitável maniqueísmo produzido pelos meios de comunicação, a luta do bem contra o mal, o tempero certo para qualquer história emocionante. Quantas biografias de Hitler, Stalin, Churchill ou Roosevelt já não foram editadas? Quantos lançamentos sobre o Dia D, Hiroshima ou a tomada de Berlim que até hoje merecem locais de destaque nas livrarias? Ao que parece um mercado inesgotável, juntam-se livros de temas específicos sobre pessoas ou lugares que não têm espaço nos grandes manuais, entre estes Lisboa 1939-1945 - Guerra nas Sombras, de Neill Lochery. 

É natural que a princípio Portugal, um país neutro durante a guerra, não tenha tanta relevância para justificar muito material a respeito, mas o que Lochery mostra é justamente que bastante coisa ocorreu em terras lusitanas no período marcado no título. Coisas importantes. E baseado nisso pode-se dividir esta investigação em três setores (apesar de não haver essa divisão no livro): a ação dos países beligerantes em solo português, a posição nada neutra de Portugal quanto à defesa de seus interesses políticos e econômico e a saga dos refugiados em sua desesperada fuga da Europa.

Teoricamente, em território neutro não se pode guerrear. Não oficialmente, ou não em modos tradicionais de guerra. Por isso a espionagem foi a arma óbvia utilizada pelos Aliados e o Eixo, e no meio de ambos, a polícia secreta portuguesa fazendo o que podia para defender a soberania nacional. Por outro lado, Salazar tentava desesperadamente manter Portugal oficialmente fora da guerra e, ademais, lucrar ao máximo com esse posicionamento. O ditador sabia que um leve deslize para qualquer lado significaria a ocupação do pequeno país ibérico por aliados ou alemães. E que movimentos sutis significariam a entrada de mais e mais capitais na economia nacional - mesmo que na forma de ouro alemão espoliado dos judeus...

No meio de inúmeras tramas entre espiões, banqueiros, políticos e oportunistas de todos os tipos, as vítimas do mais amplo conflito mundial encontravam  em Lisboa uma ponta de esperança, uma última escala entre o inferno e a nova vida da América, mas até que finalmente conseguissem alcançar seu intento, passariam por diversas provações na capital portuguesa. E não só os mais humildes tiveram Lisboa como seu purgatório ou, mais ainda, seu local de sacrifício derradeiro: até artistas e importantes peças políticas padeceram lá em meio às maquinações da Segunda Guerra.

Por tantas informações surpreendentes, Lisboa 1939-1945 já seria um livro bem interessante para quem gosta de ler sobre história contemporânea, mas a qualidade da escrita do autor e sua pesquisa séria, cheia de fontes e fotos da época, tornam o trabalho lançado aqui no Brasil no ano passado ainda mais tentador.

Editora: Rocco

Páginas: 312

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * * * *

p.s: O livro cita diversas vezes o filme Casablanca. Adoro cinema mas confesso que tenho um pouco de pé atrás em relação a esses grandes "clássicos" do cinema norte-americano, mas nesse caso tenho que admitir: é um filmaço, não é um daqueles mitos criados a partir de porcarias hollywoodianas da época. Recomendo também como aditivo ao livro, ou vice-versa.

Revolução no Futuro - Kurt Vonnegut Jr.

Em um futuro próximo, desenvolve-se nos Estados Unidos uma sociedade extremamente automatizada, na qual os cidadãos são divididos de acordo com seu QI: os mais inteligentes desempenham funções administrativas e de comando, enquanto o resto da população se divide em soldados ou trabalhadores braçais. Apesar de ainda haver diferenças sociais, nada de material falta para as pessoas, todos têm tudo o que precisam para viver bem. Contudo, a presença cada vez maior das máquinas no cotidiano tira dos seres humanos sua autonomia, enquanto o governo, que impede qualquer contestação contra esse modelo perfeito, lhe toma a liberdade. 

O parágrafo acima parece um resumo de uma história de ficção científica de meados do século XX, aos moldes de Aldous Huxley, Ray Bradbury e George Orwell. E é. Primeiro livro de Kurt Vonnegut, Revolução no Futuro ainda não mostra a ótima escrita do autor, limitando-se a criar uma versão pessoal dos grandes livros de distopia da época: uma sociedade aparentemente sem contrastes ou falhas, que ao longo do livro vai se mostrando uma quimera, descoberta por um personagem que se rebela e é reprimido por causa disso.

Paul Proteus tem a vida que todo homem gostaria de levar. Ocupa uma posição de prestígio no sistema social que valoriza a inteligência acima de tudo: ocupa um dos cargos mais altos, tem à sua disposição todo tipo de conforto, vive um casamento perfeito. Aos poucos, começa a perceber que aquela harmonia social não passa de aparência, e que, diga o que disser a propaganda oficial, o povo realmente não está feliz. A partir daí já se pode ter uma ideia do que vem pela frente - ainda mais depois da tradução tosca do título original, "Player Piano". E os clichês não param por aí: a população vive em guetos, tem o cara que abre os olhos do protagonista para a realidade escondida e até o computador que controla os rumos dos assuntos da humanidade.

Debutando na literatura, Kurt Vonnegut não é ainda o grande escritor que se notabilizaria nos trabalhos seguintes. Já se nota aí o embrião de algumas de suas melhores características, como a ironia que seria hilária se não fosse tão sutil e a atenção com as características dos personagens, mas olhando retrospectivamente à luz de seus livros mais famosos, tudo parece um treino, ou uma gestação. Há diálogos realmente engraçados e passagens que prendem o leitor, mas, de modo geral, a história não empolga e parece longa demais nas 400 páginas do livro.

Por sua irrelevância, Revolução no Futuro não tem uma versão brasileira desde os anos 70, mas é facilmente encontrado em sebos. Não é o livro certo para começar a ler Vonnegut ou histórias de distopia - pode ter interesse apenas para quem já é viciado em um ou no outro, ou em ambos, unicamente para fins de aprofundamento. Mas nada de julgar Vonnegut por isso! Como eu disse, é um livro inicial, experimental para o desenvolvimento desse ícone da literatura contemporânea. Não é bom, mas também não chega a ser um livro ruim. Está longe de ser memorável, mas o cara que escreveu Matadouro 5 pode ter esse fato ordinário na sua biografia, ele pode.

Editora: Círculo do Livro

Páginas: 402

Disponibilidade: esgotado

Avaliação: * * *

O Estrangeiro - Albert Camus

"Hoje mamãe morreu. Ou talvez ontem, não sei bem. Recebi um telegrama do asilo: 'Sua mãe faleceu. Enterro amanhã. Sentidos pêsames'. Isso não esclarece nada. Talvez tenha sido ontem."

A citação de um dos trechos logo do início do livro mostram o que vem pela frente nas páginas de O Estrangeiro, de Albert Camus. Meursalt é um pied-noir (pé negro, em referência aos calçados ocidentais), um franco-argelino que vive como um um homem comum, diria medíocre até, no norte da África colonizada pela França, aparentemente na década de 1930. Tem um emprego burocrático, sem muitas pretensões materiais na vida, busca pequenos prazeres como sair com uma mulher bonita ou fumar um cigarro, mantém relações cordiais e superficiais com pessoas da vizinhança. A diferença dele para os outros homens está em seu modo de sentir as coisas. Mesmo sem refletir sobre isso, Meursalt é uma espécie de niilista. Para ele, não há um sentido profundo em nada, as convenções sociais não lhe dizem nada, Meursalt apenas reage da forma mais natural, como um animal: uma reação imediata aos estímulos sensoriais. O que não faz de Meursalt uma pessoa má. Quando sua mãe morre, eu diria que ele age até racionalmente, como deveríamos nos sentir quando algum idoso morre: todos morrem em algum momento, sua mãe estava idosa, e havia chegado a hora dela. Com essa naturalidade, o protagonista narra esse momento que, para a maioria das pessoas, é difícil demais por causa das lembranças afetivas do ente querido.

O livro é todo narrado em primeira pessoa, e com uma narração seca, limitada ao necessário. A citação inicial nesse texto é um bom exemplo do que Camus queria - o personagem narra os fatos quase como uma pessoa escrevia um telegrama, tentando economizar cada palavra, enquanto Meursalt parece não ver motivos para gastar sentimentos que para ele não existem. Contudo, ao desenrolar o livro, o narrador deixa de ter seus pensamentos limitados exclusivamente pelas experiências sensoriais, e o texto começa a desenvolver uma linguagem mais emotiva, mesmo que seja de revolta, angústia ou incompreensão, mas ainda assim limitando-se ao necessário, sem rodeios, o que produz um livro sucinto, dividido em duas pequenas partes. Na primeira, Meursalt começa sua narrativa seca sobre a morte de sua mãe e seu cotidiano, mostrando-nos suas características psicológicas que definem o livro. Na segunda, o personagem é preso e julgado, com uma certa dose de incompreensão que remete a O Processo, de Franz Kafka. Mas as semelhanças param por aí, pois se no livro do autor tcheco o protagonista é julgado por sabe-se lá o que, aqui o julgamento se dá muito mais por questões morais e julgamentos sociais do que pelo crime cometido (e há um crime concreto, diferente do processo kafkiano). A sociedade julga Meursalt não pelo seu crime, mas por suas ideias e posições. Nada muito diferente do que ocorre hoje e sempre ocorreu nos tribunais - ontem mesmo, no julgamento do assassinato da advogada Mércia Nakashima, todos os jornais mostraram as tentativas do advogado de defesa em desabonar a vítima.

No original, o título de O Estrangeiro pode ter tanto o sentido da tradução para o português como pode significar também estranho. O jogo de sentidos do francês cabe perfeitamente para mim, pois quando leio L'étranger "eu me sinto um estrangeiro", como cantou Humberto Gessinger, mas também me lembro que sempre fui um estranho a este mundo, "um estranho numa terra estranha", como escreveu Robert Heinlein. Tendo sido lido pela primeira vez nos meus vinte e poucos anos, no momento em que eu formava toda a base da minha educação superior, não posso dizer que O Estrangeiro determinou quem eu sou hoje, mas certamente me deixou espantado em como eu me identificava com muito do que sentia (ou não sentia) Meursalt pelo mundo à sua volta, traduzindo um pouco das minhas angústias em ser um estrangeiro/estranho. É e nunca deixará de ser um de meus livros do coração, essas coisinhas tão importantes às quais recorremos ao longo da vida por diversos motivos.

O Estrangeiro está situado nada menos do que na primeira posição da lista dos 100 maiores livros do século XX elaborada pelo jornal Le Monde - tudo bem que é uma lista criada por franceses, recheada de autores franceses, e nunca teria um autor estrangeiro (trocadilho inevitável) acima de um francês nessa lista, mas ainda assim diz algo, não é?

Editora: Best Bolso / Record

Páginas: 112 / 126

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * * * *

A Drifting Life - Yoshihiro Tatsumi

O sonho de toda criança é poder ser algo bem divertido e emocionante quando crescer. Eu queria ser jogador de futebol, desenhista ou astronauta, mais tarde astro do rock, e até hoje tenho minhas fantasias profissionais - adoraria trabalhar fazendo programas de viagem para algum canal de tv que pagasse tudo! Poucos de nós podem desfrutar desse prazer que deve ser trabalhar com algo que realmente se sonhou algum dia - sonho inocente de criança, não me refiro a planos para passar em algum concurso público que pague um salário absurdo e morar na orla. Yoshihiro Tatsumi é uma dessas pessoas, e além dessa realização ainda lhe foi possível contar essa história através de um belo livro.

A Drifting Life é um álbum de quadrinhos autobiográfico japonês escrito e desenhado por Tatsumi, um importante autor que criou o termo "gekiga" para distinguir trabalhos mais sérios de mangás de temas infantis - o gekiga em relação ao mangá seria um termo com a mesma conotação que as graphic novels têm em relação aos comics americanos. A história se passa praticamente toda durante a década de 1950, período no qual Hiroshi, o alter-ego do autor, inicia seu amor pelos quadrinhos japoneses e desenvolve sua técnica até se tornar um respeitado artista.

Muito mais que uma autobiografia, A Drifting Life aborda, com muita ternura, a história dos quadrinhos japoneses, além da própria história do Japão. Entre páginas que mostram detalhes da vida pessoal do autor, apresentam-se diversos personagens marcantes para a indústria dos mangás, alguns muito famosos, como seu ídolo Osamu Tezuka (o "Deus do mangá" para os japoneses), outros praticamente desconhecidos aqui no Brasil até para os mais aficionados - editores ou autores underground da época. Ao mesmo tempo é apresentado um Japão que saía do trauma da Segunda Guerra Mundial e iniciava sua ascensão no mundo capitalista como uma nova potência econômica, alguns detalhes também bem estranhos para o público ocidental - ou alguém conhece bem os atletas e cantores japoneses de 60 anos atrás?

O assunto central de A Drifting Life, a criação e o desenvolvimento do gekiga, é mostrado com bastante afinidade com a vida de Hiroshi e a história do Japão, que não aparecem no livro de forma relapsa, sem sentido. Questões de economia do Japão e mercado de mangás tem íntima relação com os trabalhos de Hirsoshi / Tatsumi, bem como seus dramas pessoais e suas preferências. A criação de um "mangá que não é mangá", como o protagonista chama, foi diretamente determinada por uma outra paixão sua que é mostrada quase que em todos os capítulos: o cinema, hábito frequente de Hiroshi que o faz importar esse tipo de linguagem para a arte sequencial japonesa.

Os desenhos vão de simples quadros com dois personagens dialogando sem fundo a painéis mais bem trabalhados. Para as partes históricas, o autor utiliza desenhos até mais realistas, quase representações de fotos de época. Os desenhos do gekiga diferem consideravelmente do mangá regular, sobretudo na falta de artifícios para representar movimentos e nas famosas onomatopeias, utilizadas em menor escala, ainda que existentes.  

Gostei muito de A Drifting Life, mas tenho certas ressalvas em relação à edição da Drawn & Quarterly, até onde sei a única no mercado ocidental. Aqui no Brasil, grande mercado consumidor de quadrinhos japoneses (acho que o maior fora do Japão), estamos acostumados já há mais de dez anos com uma fidelidade à estrutura do mangá. Quase todos os mangás publicados no Brasil mantêm a ordem de leitura japonesa, da direita para a esquerda, mas como os americanos têm fama de resistirem muito à introdução de hábitos de outros povos ou diferenças culturais (isso fica claro no cinema falado em outras línguas), a edição deles foi adaptada para o modo de leitura ocidental, o que, por mais bem feito que seja o trabalho de edição, traz consideráveis prejuízos à narrativa. Outra estranheza para quem está acostumado a ler as edições brasileiras de mangá é a tradução de muitas onomatopeias no próprio quadro, isso também modifica bastante uma importante parte estética do mangá. 

Apesar de alguns problemas editoriais, essa é a única edição ocidental, e vale muito a pena ler esse livro, mesmo para quem nunca leu mangá. A Drifting Life é uma leitura muito boa e uma ode aos quadrinhos japoneses, para mim esse trabalho tem sentido semelhante a Amarcord ou Cinema Paradiso para o mundo do cinema. Infelizmente Yoshihiro Tatsumi não é um artista muito conhecido no Brasil, e não tenho muitas esperanças que algum dia esse trabalho será lançado por aqui, mas não é difícil encontrá-lo em livrarias no exterior e até aqui no Brasil (acabei de verificar que a Livraria Cultura tem disponível, por exemplo). Além da bela história, é um livro grande, grosso, capaz de garantir bastante tempo de entretenimento e esteticamente cai muito bem numa bela prateleira cheia de livros e quadrinhos.

Editora: Drawn & Quarterly

Páginas: 855

Disponibilidade: importado

Avaliação: * * * *

obs: No ano passado foi lançado um filme em animação chamado Tatsumi, baseado no livro, gostaria muito de encontrá-lo.

Passo de Caranguejo - Günter Grass

Heróis e vilões são fruto de escolhas políticas e da força de determinados grupos. É o que faz com que Jesus seja considerado historicamente muito mais importante do que Simão bar Kochba, rebelde judeu que deu muito mais dor de cabeça para o Império Romano do que o messias cristão. E é o que faz também com que minorias se pronunciem a favor de determinadas personalidades ou fatos através do revisionismo histórico - termo que hoje é encarado muitas vezes de forma negativa, pois está muito identificado com seu lado mais controverso, o "revisionismo do holocausto" (que por isso é classificado por determinados historiadores como negacionismo, em vez de revisionismo).

O revisionismo histórico é o ponto de partida para Passo de Caranguejo, romance mais recente de Günter Grass, o mais importante escritor alemão vivo, que atingiu seu auge na década de 1960. Paul é um jornalista mal sucedido nascido na Alemanha Oriental no dia 30 de janeiro de 1945, num navio de refugiados que afundava após ser bombardeado por um submarino russo; o navio era chamado Wilhelm Gustloff, em homenagem a um líder nazista assassinado por um judeu em 1936. Apesar de Paul ser um personagem fictício, a história de Wilhelm Gustloff é verídica: responsável pela distribuição do livro Os Protocolos de Sião, foi assassinado por David Frankfurter, e considerado então um mártir da luta do nazismo contra os judeus, tendo por isso sido lembrado com um funeral digno da presença de Hitler e outros líderes nazistas em sua cidade natal (Schwerin, coincidentemente a mesma cidade de Paul). Para completar a glorificação desse ícone da irracionalidade humana, os nazistas utilizaram seu nome para batizar o navio abordado no livro, utilizado o mesmo como cruzeiro turístico em tempos de paz (no qual a mãe de Paul passou férias) e com fins militares durante a guerra.

Esse fato histórico atrelado à sua própria história pessoal o persegue como um fantasma em toda sua vida. O revisionismo histórico começa com sua mãe, uma espécie de entusiasta do navio e guardiã da memória desse fato, considerado por ela injustamente relegado ao esquecimento, apesar de ter sido uma tragédia naval de proporções maiores do que a do Titanic. E o revisionismo vai além, através de grupos neonazistas organizados na internet, a fim de colocar Wilhelm Gustloff (tanto o navio como o "mártir") em seu devido lugar na história. Orientado por uma figura enigmática identificada apenas como "chefe", Paul inicia uma investigação sobre os fatos históricos em questão e narra sua própria trajetória familiar. Seu desejo é que esse assunto finalmente seja encerrado, mas longe disso, Paul terá que lidar com os efeitos que aparentemente nunca acabam, chegando finalmente a seu filho. 

Memória, culpa e até uma internet que engatinhava na época (o livro se passa em 1997, e foi escrito em 2002) são temas abordados em Passo de Caranguejo. O título é referência ao fato de que o narrador tem sempre que voltar para dar um passo à frente, ou seja, é impossível prosseguir sem voltar e examinar a história. Além disso, redenção e perdão por erros cometidos na juventude também me pareceram aspectos bem abordados nesse livro de maturidade de Günter Grass - o fato é que, pelo que pesquisei, esses sempre foram temas recorrentes em seus livros, e em 2005 o autor publicou a primeira parte de sua autobiografia, Nas Peles da Cebola, no qual assume que fez parte de uma tropa de elite nazista quando era adolescente.

Passo de Caranguejo certamente não é o melhor representante da obra de Günter Grass, mas tem uma escrita bastante eficiente e dinâmica, mostrando que um autor de décadas anteriores ainda pode produzir bons trabalhos. Uma leitura acessível e agradável, que me faz ter vontade de conhecer seus trabalhos mais famosos, como O Tambor. 

Editora: Nova Fronteira

Páginas: 205

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * * *

500 Essential Graphic Novels, The Ultimate Guide - Gene Kannenberg, Jr.

Graphic Novel é um termo popularizado na década de 70 por Will Eisner para diferenciar obras em quadrinhos em formato de livro, com histórias completas - e a princípio com temas mais sérios - das tradicionais comics americanas, mensais, com tramas que podem se estender por anos. Geralmente, o leitor de quadrinhos que adquire o hábito na infância tem as Graphic Novels como uma evolução natural de sua paixão, enquanto o leitor que descobre os quadrinhos depois de adulto não tem muita paciência com os formatos mensais e seus temas juvenis e já parte logo para esse formato mais sofisticado. As Graphic Novels foram responsáveis por uma boa parcela do status que os quadrinhos adquiriram como leitura séria nas últimas décadas.

500 Essential Graphic Novels, The Ultimate Guide, é mais um desses livros de listas que tanto fazem sucesso atualmente, e ainda com a marca de "guia definitivo". Obviamente, nenhum guia ou lista pode ser considerado definitivo, pois depende de fatores subjetivos dos autores e de espaço para caber tanta coisa, e este livro não fica imune a isso. Autores indiscutíveis como Alan Moore, Frank Miller, Art Spiegelman, Robert Crumb, Roy Thomas, Neil Gaiman e Stan Lee, é claro, estão amplamente listados; ao lado desses, obras excelentes de artistas nem tão famosos, alguns trabalhos que muitos não gostam e considerarão indignos de estarem ali e muita coisa underground e desconhecida, sobretudo para nós brasileiros. E, naturalmente, um monte daqueles "quadrinhos do coração" para você que não couberam nas 500 primeiras posições, o que vai te deixar indignado, da mesma forma que os livros de listas sobre filmes, discos, etc. Notoriamente, como costuma ocorrer com esses trabalhos, sente-se uma grande falta de títulos de diversas partes do mundo, para nós especificamente trabalhos brasileiros ou argentinos - o livro foca nos mercados mais proeminentes dos quadrinhos, o americano, o europeu e o japonês.

Gene Kannenberg, Jr dividiu o livro em gêneros de quadrinhos, como um lista de filmes - pensar os quadrinhos dessa forma, e não abarcados num único gênero "quadrinhos", sempre me pareceu corretíssimo: aventura, não-ficção, crime/mistério, fantasia, ficção geral, horror, humor, ficção científica, super-heróis e guerra. Antes de cada capítulo, uma introdução sobre a evolução do gênero nos quadrinhos. Na apresentação de cada título, um resumo da trama, resenha, última edição, indicação etária e, como não poderia faltar numa obra dedicada a quadrinhos, o máximo de ilustrações possíveis. Para sanar um pouco o problema da não inclusão de determinados títulos por falta de espaço, o autor ainda disponibiliza indicações de leituras afins ao final de cada resenha.

500 Essential Graphic Novels é um livro indispensável para fãs de quadrinhos, e bastante útil para quem não conhece nada do assunto mas sabe que é um meio artístico sério e deseja começar a entendê-lo. Para o fã, fica a recomendação de tentar adquiri-lo através de importação pela internet, pois é irresistível passar horas relembrando algumas das maiores obras de quadrinhos e conhecendo pequenas preciosidades ainda não descobertas; para o leitor que se interessa mas não tem tanta urgência, pelo menos fique ligado em sites e livrarias brasileiros mesmo ou, em caso de viagem ao exterior, pode ser encontrado nas prateleiras das principais livrarias lá de fora.

Editora: Collins Design
Páginas: 528
Disponibilidade: importado
Avaliação: * * * *

Matadouro 5 - Kurt Vonnegut Jr.

Considerada a obra-prima de Kurt Vonnegut, Matadouro 5, ou a Cruzada das Crianças é um romance baseado nas experiências do autor na Segunda Guerra Mundial, mais especificamente no episódio do bombardeio da cidade de Dresden, tido como um dos maiores massacres de civis da História. A impressão que se tem é que, dada a profundidade dessa experiência em sua vida, este era o livro que Vonnegut tinha que escrever, e o fez tão bem que recebeu resenhas positivas dos mais variados meios literários na época de seu lançamento, além de indicações para os principais prêmios da ficção científica e fantasia, o Hugo e o Nebula, em 1970 (perdeu ambos para A Mão Esquerda da Escuridão, de Ursula le Guin) . No início do livro, sugere-se que um livro desse deveria ser escrito porque as pessoas se interessam muito por histórias fortes de participantes da Segunda Guerra Mundial, e que isso rende bastante dinheiro, mas é óbvio que tal argumento não passa de um artifício de Vonnegut para impor seu característico humor, debochando de si mesmo e de quem quer que pense dessa maneira.

A estrutura de Matadouro 5 é muito parecida com a de outro livro do mesmo autor que já resenhei aqui, Deadeye Dick, uma narração sem rigor cronológico, pela qual já se sabe mais ou menos diversos acontecimentos logo no início, e talvez por isso mesmo fica-se com uma grande curiosidade de como aquilo vai acontecer. Só que em Matadouro 5, essa estratégia é muito mais radical, já que logo no início o autor deixa bem claro seu teor:

"As pessoas não devem olhar para trás. Eu certamente não farei mais isso. Já terminei o meu livro de guerra. O próximo que eu escrever será divertido. Este aqui é um fracasso. E tinha de ser, já que foi escrito por uma estátua de sal. Começa assim:

Escute:

Billy Pilgrim soltou-se no tempo.

Termina assim:

Piu-piu-piu?"

Os acontecimentos durante a guerra são os únicos narrados de forma linear, mas mesmo assim são interrompidos a todo momento por outras passagens da vida do protagonista, aí então de forma bastante caótica.

As primeiras páginas do livro são narradas por um veterano de guerra, uma breve apresentação na qual o leitor é informado sobre o processo de criação do livro. O narrador é obviamente o próprio Vonnegut, mas não fica claro se estas primeiras páginas, nas quais ele fala sobre um antigo colega que o ajuda a relembrar detalhes e uma visita ao matadouro alemão que dá título ao livro, são realmente acontecimentos da vida real ou se já ali inicia a ficção, através de um tipo de alter-ego. De qualquer forma, esta breve introdução só tem a função de criar o clima para o resto do livro, a história de Billy Pilgrim, e ademais nunca foi a intenção do autor escrever uma biografia fiel aos eventos por ele experimentados em Dresden, tanto que a primeira linha do livro diz: "Tudo isso aconteceu, mais ou menos." - a frase foi incluída na lista de 100 melhores frases iniciais de romances da American Book Review, na posição 38.

Billy Pilgrim, como já se diz logo no início do livro - digo o livro dentro do livro -, está solto no tempo, e por isso não faz sentido citá-lo no passado: ele é um soldado americano na Segunda Guerra Mundial, é um oftalmologista, é casado com a filha de um homem rico, é uma criança lutando para não se afogar numa piscina, é um homem de meia-idade prestes a sofrer um acidente de avião, é tratado como um animal num zoológico em outra dimensão... O tempo é presente em qualquer momento, foi o que Billy Pilgrim aprendeu com os tralfamadorianos, o segredo é focar-se nos momentos bons. Justamente por compreender isso, os tralfamadorianos não temem a morte nem o sofrimento, pois sabem que ninguém morre, apenas está morto em determinado momento, e em outros está vivo - e Billy é um dos poucos humanos que compreendem isso também. Apesar de todas essas discussões sobre viagem no tempo e alienígenas, e do livro ter sido indicado para o Hugo e o Nebula, entendo como um erro de interpretação tratá-lo como ficção científica, por motivos que aqui não posso explicar, sob o risco de interferir no prazer da leitura de quem ainda não leu o livro.

O tema mais aparente de Matadouro 5 é a repulsa pela guerra e pela violência, algo habitual na carreira de Kurt Vonnegut, tanto que o autor considera o ponto mais importante do livro o momento do fuzilamento de um personagem secundário por conta de uma chaleira, após o bombardeio de Dresden. O subtítulo do livro, A Cruzada das Crianças, tem uma conotação profundamente contrária à guerra em seu contexto. No entanto, outros temas talvez tenham a mesma importância ou até mais. A questão do sofrimento, discutida na forma de destino x liberdade é para mim o ponto chave do livro. A viagem no tempo, não de forma convencional da ficção científica (com máquinas), mas sim estar solto no tempo, como Billy Pilgrim, é a chave para o escapismo do protagonista. Os tralfamadorianos estranham o fato de a Terra ser o único planeta conhecido por eles no qual seus habitantes acreditam que dependem de sua vontade para determinar os acontecimentos. Eles inclusive sabem como o universo deixa de existir, e mesmo que para um terráqueo eles possam evitar tal acontecimento, isso simplesmente não faz sentido para eles.

O estilo de narrativa de Kurt Vonnegut, impecável aqui, talvez seja o que me faz gostar cada vez mais desse autor. Frases curtas, sem nenhum tipo de firula, dizendo de maneira certeira o que importa para a história,  algo que só os grandes escritores conseguem desenvolver; algo que, dizem, Hemingway teve que aprender com Gertrude Stein para se tornar o grande escritor que foi. O humor, geralmente negro e ácido, também está presente em Matadouro 5, mas aqui Vonnegut utiliza três palavrinhas que entraram para a história da literatura: So it goes (traduzido na edição brasileira como "coisas da vida", o que não chega a ser tosco, mas eu não gostei). Essa pequena frase se repete 106 vezes ao longo do livro, aparecendo sempre após o relato de algo trágico. Sua interpretação é ambígua: pode remeter a este humor negro característico do autor, como pode também ser um mecanismo para a recusa ao sofrimento tratada ao longo do livro - transformar grandes perdas individuais em algo ínfimo para a história da humanidade (ou, no caso, do universo).

Os personagens de Vonnegut são também um diferencial em sua obra, tanto que diversos dos que aparecem em Matadouro 5 são utilizados em outros livros. Alguns, aqui meros coadjuvantes, são protagonistas em outro momento, como Howard W. Campbell Jr, o narrador de O Espião Americano (Mother Night), ou Kilgore Trout, o escritor de ficção científica considerado o alter-ego de Kurt Vonnegut. Me parece que os coadjuvantes valorizam ainda mais o trabalho do autor, vista sua incrível capacidade de criar características de personagens em poucas linhas, como eu já havia escrito na resenha de Deadeye Dick. Pela quantidade de personagens importantes no universo vonnegutiano, acredito que Matadouro 5 seja o livro ideal para começar a explorar a obra desse autor.

Matadouro 5 é um livro estupendo, simples em suas palavras, pequeno, com parágrafos e trechos curtos, porém complexo em seus detalhes e desdobramentos, como estou me habituando aos livros de Kurt Vonnegut, esse autor que a cada dia se coloca entre meus favoritos. Já encontrei quase todos os seus livros, em inglês, em pdf, e agora o difícil é parar de lê-los para dar chance a outros autores.

Editora: L&PM

Páginas: 226

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * * * *

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Revolução no Futuro - Kurt Vonnegut

Escritores em Ação - vários autores

Quem gosta de livros sabe que, após a leitura de alguns trabalhos de um autor querido (às vezes logo o primeiro já é suficiente), surge a necessidade de ultrapassar o limite da ficção criada naquelas páginas e conhecer os detalhes da realidade por trás daquilo, como histórias da vida do autor e o momento em que o livro foi escrito. Quando o vício vira obsessão, o que é comum também e até saudável entre os amantes das letras, a necessidade por informações cresce, e geralmente a mania não se limita a um autor. Para os que são fanáticos por um determinado autor, existem as biografias, não raramente maiores que os próprios trabalhos do autor - exceto para fãs de autores obscuros ou locais, sofredores em potencial. Mas há também publicações que abordam algum determinado estilo ou época literária, abarcando diversos autores.

Para os interessados em literatura do século XX como eu, ainda pode ser encontrado em sebos um livrinho publicado pela Paz e Terra na década de 80, chamado Escritores em Ação, que reúne entrevistas de 14 autores para uma revista francesa chamada Paris Review - a saber: François Mauriac, William Faulkner, Georges Simenon, Alberto Moravia, Trumam Capote, Françoise Sagan, Ezra Pound, T.S.Eliot, Henry Miller, Aldous Huxley, Ernest Hemimgway, Lawrence Durrel, Mary McCarthy e E.M.Foster. Essas entrevistas começaram a ser publicadas em 1953, no primeiro número da revista; alguns estavam ainda produzindo partes importantes de suas obras, outros já estavam no final de suas carreiras, como Huxley, que na época escrevia seu último livro.

Paris Review era uma revista de vanguarda, que rejeitava as convenções da época, e preferia publicar contos e poemas de novos autores do que críticas sobre clássicos da literatura. As entrevistas da Paris Review ficaram famosas por conta da qualidade de seu conteúdo - apesar da inexperiência no campo jornalístico, os entrevistadores realmente conheciam o trabalho de seus entrevistados, o que resultava em perguntas inteligentes e respostas variadas, dependendo do humor do escritor. Nessas entrevistas, mais do que conhecer detalhes sobre as ficções que tanto nos encantam, descobrimos o lado pessoal de nossos heróis literários, mesmo que as perguntas pessoais não tenham tanto espaço. A abordagem central das entrevistas é sempre o processo de criação dos livros, coisas como inspiração, horários de trabalho, origem dos nomes dos personagens, mas as respostas para esse tipo de questões revelam bastante sobre cada um dos escritores.

Apesar de alguns dos entrevistados não serem muito conhecidos aqui no Brasil, é curioso ler sobre todos eles e comparar seus métodos e suas personalidades, para chegar à conclusão que, definitivamente, não há método fixo para se escrever um livro. É certo que quatro fases da produção de um livro existem para todos: a experiência ou vivência do autor, a meditação sobre aquilo, o rascunho e a revisão. O que varia, e muito, é o tempo de cada uma dessas fases. Alguns autores ficam com determinada ideia durante anos em sua mente, e subitamente escrevem sobre aquilo um dia. Outros observam alguma cena e logo poem-se a escrever, mas podem demorar anos no desenvolvimento. Há também os que concluem rapidamente um texto, porém gastam muita energia em sua revisão, a ponto de o texto revisado não ter mais quase nenhuma relação com o original. 

Horários e locais de trabalho também variam bastante, bem como a produtividade de cada um. Georges Simenon, por exemplo, escrevia seus romances em poucos dias - e não por acaso produziu cerca de 500 livros em sua vida. Françoise Sagan era uma adolescente de 19 anos quando publicou seu primeiro romance; Henry Miller passou por muita coisa na vida até ter seu primeiro livro aceito por uma editora, quando já tinha mais de 40 anos. E quanto às personalidades do autores? Trumamn Capote só conseguia se concentrar para escrever deitado no sofá, fumando e bebendo café. Aldous Huxley foi um verdadeiro gentleman inglês com os jovens entrevistadores, enquanto Hemimgway não fazia nenhuma questão de esconder seu humor devastador com perguntas que julgava cretinas: "O fato de eu estar interrompendo um trabalho sério para responder a estas perguntas prova que sou tão estúpido que deveria ser seriamente castigado. Eu o serei. Não se preocupe." - respondeu o escritor mais machão da história ao ser perguntado se achava fácil "passar de um plano para outro, ou prossegue até terminar o que começa". 

Comprei esse livro há cerca de 10 anos, quando ainda não estava esgotado na editora, e na época só li os capítulos que me interessavam, sobre Miller, Huxley e Hemimgway, pegando o livro novamente para ler todas as entrevistas só depois desse tempo todo. É um livro fácil, pode ser lido aos poucos, e muito interessante para quem gosta dessa fase literária. Só não crie expectativas de descobrir como escrever um romance a partir dos métodos desses autores, definitivamente não vai dar certo.

Editora: Paz e Terra

Páginas: 339

Disponibilidade: esgotado

Avaliação: * * * *

O Idiota - Fiódor Dostoiévski

Verificando rapidamente os títulos apresentados aqui neste blog, percebe-se que há pouco, quase nada, de literatura produzida antes do século XX. Nunca escondi de ninguém que não é esse tipo de leitura que me interessa, mas sim a cultura do mundo contemporâneo, o modo de pensar surgido no século do jazz e do rock, do cinema, da comunicação instantânea, da produção em massa, da liberdade individual. Quando comecei a ser um leitor razoável, a ter um padrão mínimo de leitura, obviamente passei por diversos clássicos da literatura, alguns dos quais amo até hoje (A Odisseia, ou Germinal, por exemplo), mas muitos que, talvez num contexto diferente, teriam me afastado do caminho das letras, se eu não tivesse conhecido paralelamente alguns dos meus heróis literários. Meu interesse na cultura contemporânea e minhas experiências tediosas com os Stendhals da vida foram decisivos para o meu afastamento da literatura clássica e meu vício na literatura contemporânea, mas de qualquer forma, sempre tive uma grande curiosidade de conhecer alguns desses autores tratados como pais fundadores ou grandes mestres, e venho através dos anos prometendo a mim mesmo que vou encarar um desses caras qualquer dia desses, apesar da longa "lista de espera" dos livros que eu quero muito ler.

Por uma certa ironia, foi a própria cultura contemporânea que me fez "furar a fila" e pegar um livro clássico para ler: O Idiota, de Fiódor Dostoiévski. Explico: o livro, lido por Iggy Pop e David Bowie, serviu de inspiração para o nome de um dos melhores discos de todos os tempos, The Idiot (1977), pelo qual estive obcecado nos últimos meses, obsessão que me fez correr atrás de tudo a respeito dessa obra-prima, desde as histórias por trás das letras até o livro de Dostoiévski.

O Idiota conta a história do príncipe Míchkin, um epilético (como o autor) que volta para a Rússia após passar anos fazendo um tratamento para sua doença na Suíça. A partir daí, desenvolve-se uma trama na medida certa para o personagem dostoievskiano (sendo o protagonista talvez até um paradigma para esse padrão): o homem bom, honesto, cheio de boas intenções, que sofre todos os tipos de males na sociedade perversa justamente por causa de suas qualidades. Por sua bondade e generosidade, Míchkin é constantemente trapaceado, usado e até humilhado pelos que se aproveitam de sua posição, os desonestos, vis, sádicos, covardes, quase todos que o rodeiam.

Desde o início da leitura, pude experimentar essa que é dita a principal qualidade de Dostoiévski, a construção de personagens, habilidade na qual o russo foi mestre. Com o passar das páginas, aparecem outros trechos de extrema perícia, como a descrição de um ataque epilético de Míchkin, algo recorrente na vida do autor. Entretanto, por mais que tenha qualidades incontestáveis, O Idiota ainda é um livro do século XIX, e carrega consigo aquele ranço de rebuscamento que toda obra dessa época traz, algumas mais, outras menos. O ritmo do livro começa muito bem, mas com o passar dos capítulos, a trama começa a se arrastar, algo muito comum em livros naqueles tempos de prazos apertados e quantidades certas de escrita por conta de encomendas de jornais ou, como era o caso de Dostoiévski, pressões financeiras e de contratos editoriais.   Não há habilidade ou criatividade de escritor algum que me faça superar uma narrativa arrastada.

Fora o estilo, confesso que tenho muita dificuldade para assimilar as ideias defendidas por Dostoiévski em seus livros: nacionalismo russo nos moldes oitocentistas, que pregava uma Santa Rússia, herdeira do Império Bizantino por conta da Igreja Ortodoxa (portanto, herdeira do Império Romano, berço do cristianismo; a palavra czar ou tsar vem de César). Caberia à Rússia salvar a Europa, e toda a sociedade ocidental, de sua decadência espiritual durante o avanço do industrialismo e do materialismo. Dostoiévski era um defensor ferrenho da ordem e da monarquia russa, e se opunha ferozmente às ideias mais progressistas de sua época, como o liberalismo, o socialismo e o niilismo. Eu não sou tolo o suficiente para tentar ler um livro desse tipo de autor com os olhos do terceiro milênio, não é esse o caso, mas realmente não tenho muito interesse em digerir tais ideias em livros de narrativa cansativa ao longo de 600 páginas.

Definitivamente, não estou nem um pouco interessado nesse tipo de literatura clássica e não tenho necessidade de recorrer a esses cânones ocidentais para nada. Respeito Dostoiévski pelas qualidades que descrevi acima, assim como outros autores que já li dessa época, como Victor Hugo, mas realmente prometo a mim mesmo que não leio mais esse tipo de livro nos próximos anos, pelo menos (provável exceção para Júlio Verne, o avô da ficção científica). Talvez no futuro, quando eu estiver em outra sintonia, quem sabe, mas por enquanto uma garrafa de Hemingway, um prato de Vonnegut com Frank Herbert, e Borges para a sobremesa.

Editora: 34

Páginas: 688

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * *

Nota: A imagem acima corresponde à edição mais recente, a única até agora traduzida diretamente do russo - até então, todas as traduções eram feitas a partir de traduções francesas. Essa nova edição é muito bem falada, apesar de bem cara, mas talvez se eu tivesse lido ela, a leitura teria sido um pouco menos penosa para mim.

Psychic Confusion: The Sonic Youth Story - Stevie Chick

Quando fiquei sabendo que o Sonic Youth vinha tocar no SWU e vi que no mesmo dia tocariam também uma porrada de bandas que eu curti muito na década de 90, não tive dúvidas: havia chegado a hora de voltar a curtir um grande festival de música, coisa que, desanimado com a decadência do rock na última década, eu não fazia há muitos anos. Apesar de estar longe de ser a principal atração num dia em que Faith no More, Alice in Chains e Stone Temple Pilots vão tocar, o Sonic Youth é o principal motivo para eu ir ao SWU, e como aquecimento, comecei a ler Psychic Confusion: The Sonic Youth Story, um livro que comprei há alguns meses, que conta a história dessa que foi uma das bandas mais importantes da minha vida. 

Psychic Confusion, de Stevie Chick, é relativamente recente (só não inclui o último disco da banda, de 2009), e tem uma estrutura convencional, escrito em ordem cronológica iniciando com as origens dos membros da banda e passando na ordem da produção de cada disco, o que pode não combinar muito com uma banda que de convencional nunca teve nada, mas o importante é que o autor cumpre seu papel, abrindo espaço também para histórias paralelas de diversas outras bandas que cruzaram o caminho dos sonics, como Dinosaur Jr. e Nirvana. É um livro normal sobre uma banda de rock, sem firulas e bem escrito, de caráter informativo, recheado com belas fotos, de interesse apenas para fãs ou admiradores de histórias da cultura ocidental contemporânea, que só conseguirão encontrá-lo em sites de fora ou livrarias no exterior.  

Faltando poucos dias para o festival, lendo o livro e esperando ansiosamente rever os sonics depois de 11 anos (no finado Free Jazz Festival), fui surpreendido por uma notícia no mínimo surpreendente: Kim Gordon e Thruston Moore, o casal fundador da banda, anunciou sua separação após 27 anos de união, lançando especulações sobre o futuro da banda. Como os sonics já vinham fazendo poucos shows no últimos anos e a última data de sua agenda é justamente a apresentação no SWU, daqui a dois dias estarei no que pode ser o show derradeiro do Sonic Youth.

Editora: Omnibus Press

Páginas: 282

Disponibilidade: importado

Avaliação: * * * *

Sobre o show: A apresentação do Sonic Youth foi sensacional, um dos melhores shows que já fui. Confira aqui. Veja também outro show excelente de um japonês chamado Miyavi, no palco secundário.

p.s: Este foi realmente o último show do Sonic Youth! Se essa é a decisão deles, fico satisfeito de que essa banda tão amada por mim tenha encerrado sua carreira de forma tão digna, e  feliz por fazer parte de seu último capítulo. Continuo acompanhando suas carreiras solos que, se não são e nunca mais serão os sonics, mantém a dignidade com canções sinceras e o estilo Sonic Youth de ser.

A Náusea - Jean-Paul Sartre

Recentemente escrevi uma resenha sobre um livro de Sartre chamado O Existencialismo é um Humanismo, um tipo de cartilha didática na qual o filósofo explica os principais pontos de suas difíceis ideias para o público leigo. Após essa preparação, me senti um pouco mais seguro para encarar um de seus principais trabalhos que eu ainda não havia lido, A Náusea, escrito em 1938, antes do livro que apresentou ao mundo seu pensamento existencialista, O Ser e o Nada. 

Um romance ou um livro de filosofia? Ambos. Em A Náusea, Sartre não traça um roteiro muito elaborado para narrar uma história, mas utiliza um personagem para, através de um diário, apresentar as ideias existencialistas de forma literária. Antoine Roquentin encontra-se em Bouville, uma cidade portuária fictícia na França, onde faz uma pesquisa na biblioteca local acerca da vida do Marquês de Rollebon, personagem que vivera no século XVIII. Durante esse tempo, Antoine escreve em seu diário suas impressões a respeito do mundo, melhor dizendo, da existência, e junto a esses pensamentos, a Náusea, um sentimento que, com outros nomes, é tratado em trabalhos existencialistas posteriores - um sentimento de angústia ou ansiedade em relação à liberdade a que o ser humano é condenado.

A Náusea é um livro tenso, perturbador. Pelo menos foi assim que me senti ao ler esse livro: angustiado, da mesma forma que o protagonista. Antoine Roquentin procura entender o porquê daquele sentimento que permeia seu cotidiano, seja em relação ao amor, sexo, música ou à simples observação de objetos inanimados, e a escrita de Sartre é tão engenhosa que o sentimento de perturbação é capaz de passar para o leitor. O pessimismo de Roquentin está presente em quase todas as páginas, tendo como contraponto o personagem chamado Autodidata, um homem que acredita no progresso da humanidade e se dedica a apreender todo o conhecimento através da leitura de livros sobre os mais variados assuntos na biblioteca local, em ordem alfabética por autor - um humanista, contrastando com o existencialista. 

Considero A Náusea um livro muito bem escrito, e muito interessante no sentido filosófico, mas admito que essa leitura me deixou para baixo, e por isso até demorei mais do que o normal, não conseguia ler por muito tempo, e até pensei em largar no meio. É um livro que eu tinha que ler, conferir esse ícone da literatura do século XX que tanto aprecio, entrar de outra forma em contato com o intrigante existencialismo... mas que doeu, doeu.

Editora: Nova Fronteira

Páginas: 226

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * * *

Bowie in Berlin. A New Career in a New Town - Thomas Jerome Seabrook

Na segunda metade da década de 1970, David Bowie passava por um momento crucial em sua vida: sua carreira estava no auge, produzindo discos anualmente desde 1969, muitos deles com vendas astronômicas, e suas turnês levavam milhões de fãs aos seus shows. Por outro lado, sua vida pessoal passava por turbulências graves - vícios, anorexia, divórcio, paranoia e obsessão por ocultismo e símbolos nazistas - que quase lhe custaram a vida.

Era 1975 quando Bowie decidiu seriamente que deveria mudar radicalmente de vida, e largou Los Angeles para viver na Europa, até se estabelecer em Berlim, vivendo anonimamente e longe de excessos (para os padrões de um rock star, já que Berlim tinha também uma agitada vida noturna). O resultado foi uma período de alguns anos de intensa atividade artística e cinco discos antológicos - Low, "Heroes" e Lodger, a chamada "trilogia de Berlim", de Bowie e sua parceria com Brian Eno, e The Idiot e Lust for Life, de Iggy Pop, porém com uma intensa participação sua. Bowie in Berlin - A New Career in a New Town, de Thomas Jerome Seabrook, conta a história dessa que é para muitos (incluindo eu mesmo) a melhor fase de David Bowie.

O livro começa com os antecedentes dos anos de Berlim, apresentando um David Bowie que, por um lado, era um dos artistas mais populares da época, e por outro estava no fundo do poço em sua vida pessoal, e com sérios riscos à sua saúde. Bowie vivia em Los Angeles, havia acabado de lançar uma sequência de discos excepcionais, em termos musicais ou sucessos de vendas - começando com Hunky Dory, de 1971, até Station to Station, de 1976. Seus trabalhos eram frequentemente temáticos, com a interpretação de personagens que às vezes chegavam a se misturar com sua própria personalidade, como o alienígena Ziggy Stardust. Seu último personagem dessa época chamava-se "Thin White Duke", um aristocrata demente com inclinações fascistas, que começou a interferir na saúde mental do cantor numa fase em que seus alimentos eram somente cocaína, pimenta e leite.

David Bowie tinha tudo para continuar nese caminho em sua vida profissional, lançando mais um disco com sucessos comerciais e turnês enormes (era tudo o que sua gravadora queria também), mas resolveu dar uma guinada. Sua vida pessoal conturbada pode ter influenciado bastante essa escolha, mas o lado artístico não pode deixar de ser considerado: Bowie é um músico notório pela sua capacidade de enxergar adiante de seu tempo, de ser pioneiro. O que ocorre então é que ele larga tudo nos Estados Unidose vai se refugiar anonimamente na Europa, onde entra em contato com bandas inovadoras como o Kraftwerk e inicia uma parceria com Brian Eno, ex-Roxy Music, que já fazia discos bem diferentes.

A segunda parte do livro de T.J. Seabrook é dividida em quatro capítulos, efetivamente o período em que Bowie viveu em Berlim e criou os melhores discos de sua carreira e de seu amigo Iggy Pop, que tinha saído de sua fantástica banda, The Stooges, e estava em total ostracismo. The Idiot, o primeiro disco dessa fase, teve sua parte musical quase que completamente criada por Bowie e companhia, tendo Iggy Pop criado mais a parte das letras, e serviu como um "piloto" para a sonoridade dos discos seguintes de Bowie. O capítulo seguinte aborda a criação de Low, e os posteriores de Lust For Life e "Heroes". Em cada capítulo, inicialmente é contada toda a história dos músicos à época dos discos, o processo de criação e produção, e ao final há a ficha de cada música, com comentários.

Bowie in Berlin é encerrado com capítulos sobre a produção de Lodger, o último disco dessa fase (que por não ser tão extraordinário quanto os quatro anteriores e ter sido pouco influenciado pela vida em Berlim é tratado à parte), a retomada da carreira de superstar de David Bowie, o fim da parceria dele com Brian Eno e o legado que essa fase de sua carreira deixou para o cenário musical da década de 1980.

Encontrar esse livro até então desconhecido para mim foi uma coincidência e tanto, já que há alguns meses estou obcecado por esses discos e não paro de escutá-los. Sua leitura foi bastante agradável e enriquecedora para melhor compreensão desses trabalhos fundamentais, que influenciaram uma porção de gente, de Joy Division a U2, moldando o clima dark pós-punk que teriam os anos 80. Bowie in Berlin é uma leitura essencial para todo fã de David Bowie, e para quem não conhece os tais discos da fase berlinense do cantor, recomendo fortemente que não perca a oportunidade de entrar em contato com essas obras-primas da música, principalmente The Idiot e Low.

Editora: Jawbone
Páginas: 270
Disponibilidade: importado
Avaliação: * * * *

O Triste Fim de Policarpo Quaresma em quadrinhos - Lima Barreto e outros

Voltando a falar da coleção Literatura Brasileira em Quadrinhos (depois de um ano), dessa vez li a adaptação de Triste fim de Policarpo Quaresma, esse livro maravilhoso, e por isso mesmo já uma tarefa e tanto fazer uma adaptação. Nesse caso, até que a adaptação de Ronaldo Antonelli se saiu um pouco melhor do que em O Cortiço, mas continuo achando muito difícil essa tarefa de adaptar livros inteiros, pelo tamanho das obras originais comparado com o número de páginas propostas para os quadrinhos - contos são bem mais propícios, e os resultados geralmente são melhores. Os desenhos de Francisco Vilachã, como já havia dito em outra resenha, não são grande coisa, e oscilam de suficientes a fracos em cada trabalho seu na série - no presente caso, estão fracos, sem graça, atrapalhados ainda mais pelo trabalho do colorista Fernando Rodrigues, deixando os personagens quase sempre monocromáticos.

Enfim, essa adaptação de Triste fim de Policarpo Quaresma é razoável, mas foi boa para relembrar algumas passagens de um dos meus livros prediletos. Só recomendo para quem já leu o livro, gostou e, como eu, quer ter contato com a história novamente mas não tem tempo para ler o livro inteiro.

Editora: Escala

Páginas: 64

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * *

Fahrenheit 451 - Ray Bradbury

Há cerca de um ano escrevi uma resenha sobre o livro Admirável Mundo Novo, de Aldous Huxley, na qual tive que citar as outras duas grandes histórias de distopias: 1984, de George Orwell, e Fahrenheit 451, de Ray Bradbury, que acabo de ler. Todas elas foram escritas em meados do século XX (décadas de 30, 40 e 50), época que, devido à grande quantidade de mudanças espantosas e catástrofes inimagináveis, impelia pessoas perspicazes e de imaginação poderosa a interpretar seu presente na forma de distopias, ficções passadas em futuros sombrios.

Cada uma dessas obras se tornou famosa por, além da qualidade de escrita dos autores, tratar de temas inquietantes em suas épocas. Admirável Mundo Novo, o primeiro a ser escrito, numa época em que os problemas políticos ainda não eram tão agudos (ou pelo menos ainda não haviam atingido seu apogeu com a brutalidade dos Estados totalitários durante a II Guerra Mundial e a Guerra Fria), é um alerta de Huxley aos riscos de um desenvolvimento tecnológico acelerado desprovido de reflexão ética. O segundo a ser escrito, 1984, aborda um desdobramento bastante pessimista do comunismo (regime inicialmente defendido por Orwell, que como muitos outros se desencantou após as revelações das barbáries cometidas no governo de Stalin); já Fahrenheit 451, escrito praticamente na mesma época (cerca de 5 anos depois), tem o mesmo sentido de 1984, imaginando, porém, o que poderia ocorrer numa sociedade supostamente democrática como desdobramento da Guerra Fria.

Fahrenheit 451 se passa num futuro indeterminado, nos Estados Unidos, quando o governo adotou medidas extremas para manter o controle social: controlar o pensamento e as opiniões do povo de forma radical, através da queima de qualquer tipo de livro, e direcionar a educação de acordo com seus interesses, evitando assim contradições de pensamento. Dessa forma, além das pessoas estarem de acordo com a ideologia do governo, jamais teriam motivos para entrarem em conflito entre si por diferenças de pensamento. O título do livro faz alusão à temperatura que o papel entra em combustão.

Para que a proibição dos livros tenha efeito, o governo cria um órgão especializado em vigiar, julgar e punir as pessoas que insistem em manter livros escondidos, como uma polícia secreta: os bombeiros, que perderam a função de combater incêndios (já que a tecnologia impede que as casas peguem fogo de forma natural) e passaram a promovê-los, utilizando uma espécie de fogo artificial que consegue, além de queimar os livros, destruir as casas dos culpados. A população, aterrorizada e ao mesmo tempo impossibilitada de refletir sobre a questão, abriga-se em prazeres superficiais promovidos pela tecnologia (algo semelhante à realidade virtual, imaginada na década de 50 por Bradbury como paredes que serviam como familiares às pessoas, uma alusão crítica à televisão).

Como sou sempre a favor do prazer que a surpresa traz à leitura, me abstenho de escrever mais qualquer comentário sobre o enredo do livro e seus personagens, pois o que citei acima já é suficiente para compreender o que é tratado em suas páginas - antes de ler, eu sabia muito menos detalhes, e mesmo assim já era capaz de instigar minha curiosidade por esse clássico da ficção científica. O que posso dizer é que Fahrenheit 451 foi uma leitura bastante especial para mim, porque além de ter uma escrita bonita e agradável, e reflexões profundas sobre, por exemplo, a memória, o conhecimento, o amor e a morte, aborda um tema muito chocante para nós que amamos a leitura - e talvez até o livro como objeto em si. Numa inevitável comparação, gostei mais desse livro do que Admirável Mundo Novo; 1984 só vi o filme, o livro continua na fila, por isso não posso comparar ainda.

Editora: Globo

Páginas: 215

Disponibilidade: normal

Avaliação: * * * * *

Heroes of Blues, Jazz & Country - Robert Crumb

Quem conhece Robert Crumb sabe que, apesar de sua genialidade nos quadrinhos, seu amor verdadeiro sempre foi pela música. Apesar de seu nome estar frequentemente vinculado ao movimento de contra-cultura do final da década de 1960, Crumb nunca negou que não tinha nenhum interesse no rock daquela época, e que sua música vinha de décadas antes, a música que ele escutava quando era criança, em discos das décadas de 1920-30.

Em uma singela homenagem aos seus ídolos, Crumb produziu na década de 1980 uma série de cards com desenhos e um parágrafo de breve biografia dos músicos que produziram a música da sua vida, e agora uma editora americana resolveu compilar todos eles num belo livro chamado Heroes of Blues, Jazz & Country.

A introdução do livro é de Terry Zwigoff, amigo de Crumb, companheiro de banda e diretor do famoso documentário de 1994 sobre o desenhista. Zwigoff nos conta como começou o projeto: Crumb, notório colecionador de discos antigos, queria muito adquirir algumas raridades de um amigo, e este propôs uma troca dos discos por um desenho original. Crumb aceitou, e anos depois, Zwigoff utilizou a mesma estratégia para trocar um disco da coleção dele com Crumb. A partir de então, Crumb passou a produzir desenhos de seus artistas prediletos, baseado em fotos antigas, caso elas existissem - lembre-se que a maioria desses artistas sempre foi extremamente obscura, e sobre alguns deles não se sabe nem ao menos sua data de nascimento.

Na época, os cards foram lançados em pacotes distintos para cada estilo: Heroes of the Blues, Early Jazz Greats e Pioneers of Country Music. Um livro muito bem feito, e com desenhos de Robert Crumb, é um bom motivo para eu querer tê-lo na minha estante, mas o fator determinante para mim foi a inclusão de um cd com 21 músicas de alguns desses artistas. Esse cd me apareceu como um farol para descobrir músicos seminais nesses estilos pouco explorados por mim ainda.

O cd começa com os artistas do blues. Esqueça Robert Johnson, e nem pense em B.B.King ou Eric Clapton. Robert Crumb gosta mesmo é daqueles músicos de rua, que por uma graça do acaso gravaram algumas canções e deixaram seu legado para os garimpeiros culturais das décadas seguintes. As músicas dessas parte são muito agradáveis, simples, e quase completamente desconhecidas por quase todo mundo. Eu só conhecia um artista retratado por Crumb antes de ler o livro - Skip James, e somente porque há uma canção sua maravilhosa no filme Ghost World (dirigido não por acaso por Terry Zwigoff). Outros dois nomes eu já havia ouvido falar, mas não conheço muito de sua obra: Louis Armstrong, o músico de jazz mais famoso de todos os tempos, e Duke Ellington. As canções de blues no cd são bem leves, a exceção fica justamente por conta de Skip James, o mais melancólico de todos os sete artistas apresentados (e talvez por isso o que eu mais gosto).

A segunda parte do cd fica com o country, um estilo um pouco mais familiar para mim. Não que eu conheça qualquer daqueles artistas, mas o antigo country americano tem semelhanças com o folk britânico/irlandês, um estilo que fiquei viciado durante alguns meses há uns dois ou três anos, e que me fez ficar familiarizado com essas músicas que utilizam um dos instrumentos mais bonitos para mim, o banjo.

O cd termina com os músicos de jazz antigos, um estilo que ninguém sabe dizer o nome de qualquer representante, mas todo mundo já ouviu e continua ouvindo em desenhos animados e filmes antigos. É a música mais famosa dos Estados Unidos, mas em contrapartida, uma das mais anônimas.

Essa união de arte gráfica e música produziu uma obra muito bacana, eu ouço a música, leio no livro sobre aquele artista e viajo... Esse livro é importado, e pelo conteúdo muito específico, não tenho a impressão que algum dia venha a ser lançada uma edição brasileira - mas se tratando do crédito que Robert Crumb tem aqui no Brasil, não acho que isso seja impossível, já que há um album lançado pela Conrad chamado Blues, só com histórias sobre o estilo predileto de Crumb.

Editora: Abrams Comicarts
Páginas: 240
Disponibilidade: importado
Avaliação: * * * *

Hoje, com a internet, é muito mais fácil conhecer qualquer tipo de artista do que na época que Crumb produziu os cards. Caso você se interesse em conhecer alguns destes velhos e bons músicos, e tem dificuldade para conseguir importar o livro, aí vai a lista de artistas compilados no cd, para serem caçados na internet (boa sorte!):

Blues - Memphis Jug Band, Blind Willie McTell, Cannon's Jug Stompers, Skip James, Jaybird Coleman, Charley Patton, Frank Stokes.

Country - "Dock" Boggs, Sherlor Family, Hayes Sheperd, Crockett's Kentucky Mountaineers, Burnett & Rutherford, East Texas Serenades, Weems String Band.

Jazz - Bennie Moten's Kansas City Orchestra, "King" Oliver's Creole Jazz Band, Parhman-Pickett Apollo Syncopators, Frankie Franko & His Louisianians, Clarence Williams' Blue Five, "Jelly Roll" Morton's Red Hot Peppers, Jimmy Noone.

E mais: os desenhos dos 36 músicos de blues presentes no livro podem ser encontrados aqui (infelizmente sem os textos). Se alguém achar os desenhos dos outros músicos, me informe o link que eu coloco no blog.

O Existencialismo é um Humanismo - Jean-Paul Sartre

Em meados do século XX, a corrente da filosofia denominada existencialismo estava em alta, seguida fielmente por alguns e combatida ferozmente por outros. O termo existencialista era utilizado para se referir a variadas situações, algumas sem relação nenhuma com a ideia original. Era sofisticado incluir o termo em conversas com os amigos, mesmo que nenhum dos interlocutores compreendesse muito bem o assunto.

Apesar de as ideias existencialistas terem se originado no século XIX, com um filósofo dinamarquês chamado Soren Kierkegaard, foi Jean-Paul Sartre quem transformou-as em doutrina, inclusive criando o termo, que foi rejeitado por filósofos de ideias semelhantes, como Martin Heidegger.

Até a década de 1940, o existencialismo podia ser estudado através de livros difícies para o grande público, desses que até o título já causa estranheza, tipo Ser e Tempo, ou O Ser e o Nada (títulos que, diga-se de passagem, também contribuem bastante para piadinhas em relação à filosofia). Foi então que, para esclarecer questões sobre o existencialismo e rebater algumas críticas que Sartre proferiu uma palestra chamada O existencialismo é um humanismo, tornando-se posteriormente um livro.

Este pequeno livro é um meio de ter uma breve introdução ao existencialismo através do próprio autor, algo raro no meio da filosofia, no qual a maioria dos autores recusa-se a simplificar seu pensamento a esse ponto, seja por receio de banalizar e deturpar suas ideias ou por pura soberba intelectual mesmo (Sartre também se encaixa num desses casos, já que esse livro não foi aprovado por ele). Numa primeira parte, Sartre expõe os princípios do existencialismo rebatendo críticas veiculadas por diversos setores; a parte final é um debate de Sartre com a plateia, no qual o filósofo responde a algumas contestações.

Mas afinal, o que é o existencialismo? Bem, não é meu propósito aqui explicar correntes filosóficas (até porque eu não teria condições para fazer isso decentemente), e sim sugerir boas leituras. Posso dizer simplesmente que o existencialismo é um conjunto de ideias muito fascinante, que passa longe da abstração acadêmica e se encaixa bem no mundo em que vivemos, que trata de liberdade e responsabilidade do ser humano, e por isso fez a minha cabeça desde o início da minha vida adulta - foi interessante reler este livro e ver como essas ideias foram importantes na minha formação, e o quanto delas ainda persiste em mim até hoje, mesmo sem que eu possa dizer que algum dia pude me classificar como um existencialista nato. O existencialismo é um humanismo é um ótimo meio de ter uma visão inicial sobre o assunto e se apaixonar por essa corrente filosófica que tem uma vantagem para quem gosta de filosofia mas não pretende devorar livros obscuros de filósofos difíceis: o existencialismo foi tratado em diversas obras literárias de leitura agradável, por autores como Albert Camus e o próprio Sartre - e foi por isso que agora, depois de anos, li novamente esse livro: para relembrar os conceitos e entender melhor um livro de Sartre que encontrei numa feirinha e pretendo ler em breve, chamado A Náusea.

Editora: Vozes (o texto também pode ser encontrado na coleção Pensadores, da editora Abril, fácil de achar em sebos)
Páginas: 84
Disponibilidade: normal
Avaliação: * * * *

Livro em PDF

Mundo Fantasma - Daniel Clowes

Se você não é nerd, não tem obrigação de saber que Mundo Fantasma (Ghost World) é a principal obra de Daniel Clowes, um dos maiores nomes dos quadrinhos alternativos. O que eu e muitos outros semelhantes não entendíamos era por que um trabalho fundamental como esse, lançado nos Estados Unidos em 1997, teve que esperar até 2011 para ser editado aqui no Brasil, já que coisas menos importantes de Clowes têm edições nacionais há bastante tempo, mas agora que finalmente podemos comprar Mundo Fantasma em qualquer livraria, ganhamos também uma explicação convincente: os direitos estavam reservados a uma editora que faliu antes que pudesse publicar o álbum, até que a editora Gal resolveu a situação e conseguiu fechar o negócio, que acredito que será muito lucrativo, mas mesmo que não seja, pelo menos terá a honra de publicar essa maravilha da nona arte.

Mundo Fantasma mostra a vida de duas amigas, Enid e Becky, jovens entediadas e inadaptadas presas na sociedade americana das décadas de 80-90. A mediocridade de seu entorno e a ação dos hormônios próprios da idade as levam a buscar válvulas de escape em trotes, sexo, consumo de artigos peculiares, fofocas e brincadeiras de mau gosto com estranhos. Apesar de o álbum ser composto por histórias curtas (originalmente publicadas na revista Eightball, no final da década de 80), pode-se encontrar um sentido na sequência delas: o difícil processo de superação da adolescência e a entrada na vida adulta.

Os desenhos de Daniel Clowes são perfeitos para o que o artista procura passar: as representações dos personagens variam de monótonas a ridículas, e por mais simples que sejam, seus traços são apaixonantes. Os cenários retratados me parecem aquilo que tenho em mente sobre o cotidiano norte-americano, um ambiente aparentemente equilibrado, eficiente, mas em suas entrelinhas cheio de contradições e decadência. Para mim, Mundo Fantasma compõe, na esfera dos quadrinhos, o que os filmes de Kevin Smith ou as músicas das bandas grunge representaram na década de 90.

Em 2001 foi lançado um filme baseado nos quadrinhos, com muitas passagens idênticas, mas com roteiro bastante diferente da obra original, porém nem por isso deixa de ser um filme excelente. Dirigido por Terry Zwigoff (o mesmo do filme sobre Robert Crumb), com Tora Birch e Scarlett Johansson novinhas e Steve Buscemi.

Eu já tenho Mundo Fantasma escaneado há muitos anos, ainda não tive contato com essa nova edição e, portanto, tudo que posso escrever é sobre a obra em si, mas pelo que li em resenhas na internet, parece ser bem feitinha, com extras interessantes. Contudo, independente da edição ser de qualidade ou não, o que importa nesse caso é o conteúdo, e seu lançamento é uma oportunidade para quem não conhece. É uma obra de quadrinho maravilhosa, um dos melhores álbuns para mim, está aí minha dica.

Editora: Gal
Páginas: 84
Disponibilidade: normal
Avaliação: * * * * *

Revista Samba - vários autores

No ano passado, na postagem sobre a Rio Comicon, prometi que escreveria sobre uma publicação alternativa que chamou minha atenção, a revista Samba. Como sempre cumpro minhas promessas, mesmo que quase sempre com bastante atraso, aí está.

Como já escrevi sobre a dita convenção, limito-me a iniciar meu relato da parte em que eu estava tentando me locomover com minha irmã no abarrotado salão que abrigou o evento, observando uma série de fanzines toscos em mesinhas vazias que davam pena, até ficar impedido de andar entre a fila de gente que esperava um autógrafo de Milo Manara e uma muvuca que se acotovelava para alcançar uma mesa cheia de revistas, de onde alguém gritava "Samba 2! Samba 2!" Na hora pensei: "Que porra é essa de Samba 2 que esse cara não para de gritar?", mas confesso que o que despertou meu interesse foi algo parecido com o que acontece com uma mulher do tipo consumista quando vê um monte de outras semelhantes amontoadas em volta de um camelô na rua - o melhor letreiro para um vendedor, que significa "tem coisa boa e barata aqui".

Quando consegui chegar ao "balcão", peguei um exemplar aberto da tal Samba 2, e de cara senti a diferença entre essa publicação e os inúmeros fanzines xerocados em folha A4 dobrada que proliferam nesse tipo de evento. Uma revista em formato 18x26, com uma bela pintura na capa de papel de boa qualidade, daqueles que agradam ao tato. No miolo, diferentes estilos de desenhos, algumas histórias coloridas, do minimalismo quase idiota a traços mais sombrios, séries de pinturas sem textos a textos quase sem desenhos, mas o grande diferencial era uma historinha em 3D e os óculos que acompanham a revista. Levei pra casa, e com mais tempo e tranquilidade para apreciar melhor o trabalho, pude comprovar a qualidade, tanto do acabamento quanto da criação artística da maioria dos autores dessa obra coletiva. Histórias curtas, a maioria levando para o lado do humor, algumas melancólicas e o restante simplesmente nonsense.

Fico realmente feliz quando vejo que artistas independentes - seja de quadrinhos, música ou qualquer outro ramo artístico - conseguem criar e veicular trabalhos dessa categoria, e entrei no blog da revista para comprar o primeiro volume, lançado em 2008. O número de páginas é menor, mas o formato e o tipo de conteúdo são os mesmos, sendo que alguns personagens aparecem em ambos os volumes, porém sem histórias seriadas. Este primeiro volume ganhou um prêmio de melhor revista na Feira de Quadrinhos do Piauí, em 2009, e talvez esse reconhecimento tenha estimulado a continuidade do trabalho. Espero que venha a ser lançado logo o próximo volume e que essa moçada esperta de Brasília encabeçada por Gabriel Góes, Gabrieal Mesquita e Lucas Gehre sirva de exemplo e estímulo para o restante dos quadrinistas independentes do Brasil.

Editora: independente
Páginas: 64 e 136
Disponibilidade: blog da revista ou eventos de quadrinhos.
Avaliação: * * * * *

Doutor Jivago - Boris Pasternak

Doutor Jivago é um livro ambientado na Revolução Russa, que deu origem a um filme famoso da década de 60, isso era tudo o que eu sabia quando peguei-o para ler. Ficção histórica, bacana. Após ler mais ou menos até a metade, descobri outras duas coisas a respeito do livro de Boris Pasternak: tem uma trama interessante, com personagens bem elaborados, mas é um dos livros mais chatos da história da literatura!

A história de Doutor Jivago começa na convulsiva Rússia da virada do século XX, e a vida pessoal do protagonista contrasta intencionalmente com o pano de fundo histórico das lutas políticas que desembocaram na revolução dos bolcheviques: a trajetória do médico Iuri Andreievitch Jivago representa a individualidade sufocada pelo coletivismo extremo e forçado dos revolucionários marxistas, e além disso, o livro abre espaço para a discussão sobre a distorção dos ideais revolucionários através do processo histórico.

Aí entra a diferença entre criar grandes histórias e ter capacidade para desenvolvê-las. A escrita de Boris Pasternak é barroca até o tutano, repleta de figuras de linguagem pedantes, produzindo uma leitura cansativa, um desafio até para os maiores maratonistas literários - intercalando esta com diversas outras leituras, demorei quase três meses para sequer chegar à metade dessa grande epopeia eslava, mas então desisti no meio do caminho, abandonei mesmo, não tive forças para tamanha provação. Para se ter uma ideia do que estou falando, um dos temas mais destacados em qualquer resumo rápido que se pegue sobre Doutor Jivago é o romance entre o protagonista e a personagem Lara, mas até onde li, nem sinal de que isso estava para acontecer... aliás, a impressão é de que nada acontece nesse livro! Talvez tenha sido uma estratégia do autor para remeter à solidão de Jivago, ao mesmo tempo que à imensidão da natureza russa, aquela paisagem monótona, a tundra, as coníferas, a Sibéria, o Círculo Polar Ártico, gelo, neve...

Ainda assim, Doutor Jivago foi considerado digno de um Prêmio Nobel de Literatura em 1958, mas expliquemos: o livro foi censurado na União Soviética, chegou clandestinamente ao ocidente, denunciava os erros do socialismo soviético, o autor ainda vivia lá cercado de agentes da KGB, e era época de Guerra Fria e tudo mais, entenderam, né? Por mais que possam defender a qualidade desse livro e dizer (corretamente) que eu não entendo patavina de técnicas literárias para poder criticar assim, continuo achando que não tem desculpa: o livro foi escrito e publicado na época mais fértil da literatura mundial, de gente como Kafka, Fitzgerald e Borges, não havia espaço para uma escrita anacrônica dessa. Que os acadêmicos julguem os méritos literários dos autores através do tempo, para mim Pasternak já está no grupo encabeçado por Stendhal: literatura clássica chata que ninguém aguenta, mas ai de quem falar mal!

Mesmo com todos os problemas, a história por trás da enrolação de Doutor Jivago ainda me parece interessante, e eu poderia simplesmente ler qualquer resumo na internet para saber como termina, mas farei de outra forma: vou procurar o filme, que pode até ser ruim como o livro (e provavelmente é, já que ganhou cinco estatuetas do Oscar), porém apresenta uma música muito bonita e belíssimas atrizes (tanto na versão original, de 3 horas de duração, como na série de tv de 2002, com 6 horas).

Editora: Best Seller
Páginas: 756 (com sensação térmica de 3756)
Disponibilidade: normal
Avaliação: * *